古典大调的样式

从这里开始的内容在创作时最多参考了两本书：《和声》一书，它在很长一段时间内是东京艺术大学的教材，以及后来的教材《新しい和声》。

当然我们也会参考参考文献中提到的西方书籍。

《和声》是一本巨大的三卷理论书，对古典音乐的典型声音流动进行了极为详细的描述。书名是“和声”有点混淆，所以以后叫这本书的时候，我会以作者的名字命名，叫它“島岡和声”。另一方面，《新しい和声》是一本后起之秀的新教科书，引入了符合世界标准的和弦标记。这部作品是完整的一卷。

不过，正如我上次宣布的那样，我们将首先从与古典风格直接相关的“古典风格”开始学习，而不是从困难的“和声学”开始。在这里，我们将尽可能按照这个网站和弦篇的顺序介绍样式，以便逐步理解“流行理论是这样的，而古典主义是这样的”。

我说过古典派对于和弦进行的规则非常严格。我们先来看看掌管古典大调的基本和弦进行格式。

这可能有点难以理解，所以补充一下，例如，IImV没有直接的箭头连接，但可以进行。右上角的黑色箭头表示，可以从S群到D群的任意均可。同样，VIm→IIm或VIm→V也可以。在一个大调中连续出现两个小和弦实际上并不常见。表格总结如下。

总结一下与普通和弦理论的主要差异。

我会补充说明的。

在浪漫主义以后的作品中，IIIm的使用是很普遍的，但是在古典主义中，这个和弦却出奇的少。它的近亲I/III更受欢迎。

由于这个原因，和声书中对IIIm的处理相当少，通常是在彻底讨论了转位形式和属七后作为额外的内容。

古典主义以流畅的和弦流动为基础。像V→IIm这样的现代风格的连接当然是不可能的，而且对于三度上行，像I→IIIm、IV→VIm这样的相对可接受的连接基本上也是如此“不用”的待遇。¹

IIm在古典派中的作用是非常有限的，它只能作为向V前进的一个“转折点”。尽管IV-I算是终止，但IIm-I这个动作基本上是无效的。有些理论书认为二度下行都是弱进行，而不仅仅是IIm→I是一个弱进行。

对于VIm，我们也应该像使用香料一样使用它，而不是像使用小调那样大张旗鼓地使用它。

此外，被自由派排除在基本之外的VIIm(-5)在古典主义大调中也基本上不使用，只有有限的用途。

然而，有趣的是，同样的组成音符的和弦出现时，人们认为它是“V7的根音隐藏”。

这种和弦被称为根音省略体（英 Rootless Chord）

还有一些和声书，包括岛冈和声，在和弦编号中使用了特殊的符号，即斜线。古典派的一般观点是，将两者区分为“具有本质上不同含义的和弦”，而不是“它们看起来一样，所以它们是一样的”。

这就是为什么一些古典书籍通常会忽略III和VII和弦，好像它们已经死了。当你在下一篇文章中学习小调风格时，你会更好地理解忽略III和VII的原因。

上面我们用T群，D群，S群这样的分组来解释这只是后世形成的“岛冈和声”的做法。对于古典主义理论来说，这是历史上的“后置”，莫扎特和贝多芬都生活在功能概念出现之前的世界里。

虽然20世纪以来的理论书籍都会写功能分类，这只是一个后续的分类，是根据每本书的思想进行的，所以本章不会过多涉及这方面的内容。

顺便说一下，古典音乐界有一种观点，把功能分成四部分，而不是三部分。这很有趣，也是我们思考功能论的一个重要方面，所以我会稍微介绍一下。

看看上面的和弦表，你会发现IIm和IV在自由度和要求的角色上有很大的不同。如果是这样，那么将这两者作为同一个功能是否有些勉强呢？区分角色是不是更好地总结为一个理论？这种想法出现并不奇怪。

因此，在《新しい和声》中，像IIm这样放在属前面的东西被称为准属（英 Predominant），而像IV→I这样不去属而去主的东西被区分为变格（英 Plagal）。²

也就是说，功能并不是和弦本身绝对具有的，而只是由它与后续和弦的关系决定的相对的。

这样的划分并不是这本书独有的，例如，在《Theory for Today’s Musician》中，就使用了“Predominant”和“Subdomaint”作为单独的术语，在这里“Plagal”只有被称为“Subdomaint”，Predominant被认为是另一回事。

另外，《島岡和声》的作者岛冈让也在另一本书中把属称为“D1”，而把“Predominant”称为“D2”。³

正如已经多次提到的，TDS功能在极端情况下，只是20世纪的一种时尚。该标准在未来100年可能会改变。我认为，在这里对两者进行区分比较好，我将使用符号PrD和Pg来区分它们。

现在分类之后，我们就要开始和弦作业了。在島岡和声中，和弦进行的基本框架被称为终止式（德 Kadenz），大致分为三种。

K1：TDT K2: TPrDDT K3: TPgT

取终止式的首字母K，分别称为 k1、 k2、 k3。就像单词连在一起形成“句子”，和弦连在一起形成“节奏”。⁴

当然，这要符合前面提到的和弦行进规则，所以你不能，比如说，选择K3的类型，然后IIVVIm进行。

另外，虽说是T，但基本上还是使用I和弦，以VIm结尾的“假终止”始终是一种香料存在然后，在一个大整体的开始，一定要用I来表示歌曲是大调的。

有人说意识到这种节奏对于创作一首有条理的歌曲是很重要的，但在你来到这里之前，可能已经有了很多作曲经验，即使你没有意识到这一点也可以创作出好的歌曲。

一旦你掌握了自然和弦的基本知识，下一步就是借用其他调式。重属和弦是古典中最重要的技巧之一。由于Diatonic世界的局限性，重属和弦的存在，增加了色彩，是非常宝贵的。

尤其是二级属（II7）备受喜爱，因为它加强了大调的明亮度。当然，借用这些和弦后强行进行是铁律，流行风格的进行法，如III7→IIm或II7→IV，在古典音乐中是不可能的。

另一方面，来自同主小调的借用和弦，很少使用。我们已经说过了，希望大调尽可能亮。不使用任何同主小调和弦，这样会显得更有古典主义风格。

相反，在浪漫主义中，通常使用下属小和弦的悲伤，因为它非常适合表达情感，我们也可以看到利用属小和弦♭VII的作品。

萧邦的《第二夜曲》和理查德 · 施特劳斯的《查拉图斯特拉如是说》中的下属小和弦。这种感情的强烈程度，还是浪漫主义的感觉。

接下来，我们将使用七和弦和九和弦来扩展声音，但是这种扩展在古典音乐中也是有限的。特别是在像管弦乐队这样的大型组织中，浑浊的声音风险是非常大的。

另外，由于声音趋势偏向于清晰，今天人们所熟悉的大七并不经常使用。事实上，最好不要使用它们，因为这样给人一种干净的古典气氛。

然而，属七和弦如V7和II7被疯狂地使用，属七和弦加到9th的情况并不少见。除此之外，古典主义的风格是在一点声音的流动中偶然产生的，或者只是用于装饰。

其中包括埃里克·萨蒂的《吉姆诺佩迪》和拉威尔的《水之嬉戏》，都是现代歌曲。

如果你想展现出古典主义的风格，那么除了属七之外，保持简单的三和弦会更容易营造出古典的氛围。

另外，古典的一个主要特征是大量使用转位和弦。“转位”和“持续音”是古典的关键词。

当你听我前面提到的和弦行进模式时，你可能会觉得被限制了很大的自由度。但为了弥补这一点，可以利用转位形式。

这是一个常见的流行音乐和弦行进的例子。但在古典音乐中，没有IIIm，IIm→I是不行的，V6也不使用。那么接下来会发生什么？

这真的是一个微妙的区别，尤其是V7/II，它有一种很古典的感觉。这些声音的积累使得古典音乐成为了古典音乐。所以我之前说过我不会用三次上行，但是如果是I→I/III这样的动作，就有可能。

另外，古典音乐的和弦变化不规则，速度快。在流行音乐中，在一定的时间跨度内改变和弦的进行，如一小节或两拍。

当跨度不规则时，对表演者和听众来说都是非常紧张和困难的。但是对于古典音乐来说，例如在管弦乐队中，各种乐器结合在一起创造和声，如果每个乐器都在演奏自己的旋律，和弦自然会不断变化，这也是正常情况。

就像这样，从个别乐器的角度来看，如果你只是在演奏自己的旋律线，结果就会产生每个音符都不同的和声。事实上，在古典主义建立理论之前，主流的音乐观点是“旋律叠加的结果产生和弦”，而不是“根据和弦组成旋律”。因此，与流行音乐相比，在流行音乐中，小节是由和弦符号拉开的，和弦的感知方式是非常流畅的。

所以不仅可以看到每两拍的和弦变化，每一拍的和弦变化也很普遍，这就是古典音乐的特征。这在钢琴曲中也是如此，例如在贝多芬的《第八钢琴奏鸣曲(悲怆)第一乐章》的最后部分，有一些优美的部分以惊人的速度改变和弦并转调。

即使有这么快的和弦变化，听起来仍然相当自然。这可能在很大程度上是由于基本是由容易听懂的、受控制的和弦进行构成的，转位和弦创造了流畅的低音线。 以前面提到的肖邦的《夜曲》为例，其中有些乐句中的和弦变化很快。

就这样，旋律保持着自然的线条，而和弦也在和弦中不断变化。这种“旋律与和声的一体化”可以说是与积极进行“音阶与和弦分离”的爵士乐截然相反的一面。这样在快速移动的地方和相反的在持续音稳定的地方制造缓急，这样就变得非常古典了。

最后从节奏方面。古典音乐是一种相当区分“正拍、反拍”和“强拍、弱拍”的流派，例如“如果是弱拍的话，多少有些浑浊的声音也可以，但是强拍要干净利落”或者，如果你仔细看的话，有一些相当详细的规则。

在旋律分句中，重音在弱拍上的分句，如切分音和预期，其频率比流行音乐低得多。在管弦乐队中，指挥挥舞指挥棒和控制节奏的制度可能自然地鼓励了强调正拍的旋律的创作。 相反，当有的乐句大量使用切分音时，就会有人特意评论说“反拍的节奏很有特色”。莫扎特的第25号交响曲就是一个典型的例子。

所以，如果你想创作一首平静的古典风格的歌曲，那么把平时的旋律创作技巧封存起来，按照以正拍为主的节奏编曲，应该会有一种很老派的感觉。

现在。我粗略地总结了一下古典音乐的特色，所有这些只要付诸实践，就会有很好的扩展性古典音乐风格。

这里是根据上述内容，尝试用古典风格制作的例子。虽然还没有真正的“和声学”的技巧，但仅仅是遵循“样式论”就已经显得格调很高了。特别是“几乎不使用小和弦”、“大量使用转位、持续音”等，这些都带来了明显的效果。

古典音乐与现代音乐类型（如舞曲和硬摇滚）相比，这种风格的重要性很大，无论你如何模仿声音，如果没有风格，古典音乐就完全不是古典风格。

另外，如果将这种独特的和弦风格适度地混合到J-Pop中，就会产生适当的高级感，所以一定要好好利用。

这是一首来自于一个名叫くるり的摇滚乐队的专辑，这张专辑将古典风格推向了全面。事实上，在和弦进行中，有很多古典风格，这对歌曲的构思有很大贡献。他们在奥地利的维也纳录制，所以非常古典。

好了，接下来我们要知道的是小调的样式。一旦你学会了这一点，你就会看到更多的古典理论的魅力，所以让我们继续。

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