和弦演奏和分析的基本事项

到目前为止，我们已经为抽象的概念打下了基础，如基本和弦、和弦名称和和弦音调。

如果你是一个吉他手，你知道了和弦代号你就能弹奏它了。

但是对于那些通过键盘演奏和点击输入创作歌曲的人来说，应该在什么高度、怎样弹奏还是个未解之谜。

在音乐理论音乐中，把声音放在什么高度来演奏叫做配置（英 Voicing）。在这篇文章中，我们将看一下和弦的实际“配置”。

怎样安排和弦的组成声音最好？总而言之，部署基本上是自由的，因为不同的八度并不会改变基本的声音性质，例如，如果只有C大和弦中的“mi”高了一个八度，声音的变化是不明显的。¹

所以代号也同样是C，无论其他音高如何，如果它是由“ do mi sol”的声音组成的，那么和弦就被称为“C”。声音的排列可以是紧密的，也可以是分散的。

所有的和弦代号都是C。你不需要在一个乐器上发出所有的和弦组成音，例如，上面的例子是小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴四种乐器合作组成一个和弦。

此外，多个“do mi sol”不会被称为“四和弦”或“五和弦”，无论你叠加了多少个“do mi sol”。毕竟三个音符没有变化。它依旧是“三和弦”，和弦代号依旧为C。

但是要小心，如果声音太重叠，整个声音就会变得杂乱无章。

顺便提一下，如果你需要把声音叠加起来，或者反过来需要去掉其中一个，要记住每个和弦音的作用。

Rt是和弦的根音，基本的声音，3^rd掌管着明亮/黑暗的角色。5^th起到支持无色透明的作用。强调哪些声音会对声音的外观产生微妙的影响。

说到和弦，你可能会想到用吉他或其他东西“同时”发出多种声音，实际上，我们可以把和弦音分成不同的声音，然后我们可以通过依次发出声音来产生和弦感。

就像这样，细微的和弦音调组成了一个集合体来创造和弦感。像这样，由时间差响起构成的和弦叫做分解和弦（英 Broken Chord）。或者也可以叫做琶音（英 Arpeggio）。²

虽然说过“配置自由”，但还是有一个原则需要注意。低音部分(低音)的基础是围绕着根音演奏。

除了根音以外，其他的都不是什么“禁忌”，但对下层音符的处理对声音的影响要比上层的大得多。因此，除非有意向，否则基本规则是在下部演奏根音。

在真正的编曲中，低音不从根音移动是很常见的。

这是一个电贝斯几乎一动不动地弹奏着根音的例子，但这并不是一个枯燥无味的编曲，这也是完全正常的。这样的表演被称为“根音演奏”。尤其是如果你是一个新手的话，贝斯一直是根音也没什么问题，还是能完成一首好歌。如果我们无序行动的话……

整个音乐变得相当混乱。当然，有些场合这样的编曲是有效的，但是这有点不礼貌。要注意的是，低音是和弦的主体，比其他乐器有更重要的作用。重要的是要意识到根音是和弦的支柱，比其他乐器起着更重要的作用。

另一方面，在爵士乐中，贝司自由移动也很常见，这被称为“Walking Bass”。

在爵士乐中，以这种方式活动是很正常的，也许是因为贝司被认为是一个同样突出的演奏者，而不是一个“幕后”的演奏者或其他。由于不同流派之间有很大的差异，学习如何制作贝司的最好方法是通过“扒谱”从例子中学习。

那么，如果我们把根音以外的任何音符放在底部，会发生什么？让我们以一个C和弦为例，以do mi sol中的音符mi为低音。然后，这种细微的差别将接近于“mi sol si”和弦的声音，即Em。

从逻辑上讲，结构越接近Em，声音就越接近Em。声音略显阴暗，营造出一种微妙的气氛。

在上面的图片中，蓝色和绿色被用作隐喻，这正是我所想的，我们想要的是清晰的原色，还是中间色的淡淡的感觉。我们在音乐中做到这一点的方法之一就是选择根音的位置。

贝司围绕根音以外的地方演奏是一种特殊的状态，所以代号也应该反映这一点。如下图所示，在代号的右边加上一个斜线，注明根音。

这实际上叫做转位和弦（英 Slashed Chord）。例如，如果我们看一下中间和弦“C/E”，贝司手会首先演奏“Mi”音，然后再弹其他的音调，这时候“Do”就是最有可能的选择。³

转位和弦是一种有着广泛用途的深奥表达方式。目前的情况还有很多其他需要优先解释的问题，因此我们暂时搁置解释。在实战中，当你觉得六个基本和弦演绎的“原色”还不够的时候，你可以在挑战中使用它。

到目前为止，我们已经确认了和弦“演奏”时的要点。现在，我想谈谈在分析音乐的和弦进行时，我们需要考虑的一个问题。

我刚才在“琶音”中解释过，你可以按时间差响起和弦音。但是这样的话，分析的时候就麻烦了。正在演奏的乐句中，有多少可以被视为“和弦”？

这里是我们熟悉的《かえるのうた》的开头。“Do mi sol”的伴奏伴随着“Do re mi fa mi re do”的旋律。我们是否可以认为这个“Do re mi fa”是个分解和弦？

但我们通常不会这样想。在分析和弦时，我们通常会简单地把它当作C和弦，即忽略旋律中的 re 和 fa。

我认为这时的 re 和 fa 被看作是对和弦的装饰，就像是对和弦这个“树干”的“枝叶”，而不是和弦的一部分。虽然在响，但不能算是和弦成员。这种声音叫做和弦外音（英 Non Chord Tone）。

在这个例子中，我们从以下几个方面来看待re和fa。

从这一点来看，和弦分析认为“do mi sol”是和弦的“树干”，“re fa”则更像是一种补充。当然，这并不意味着“re fa”在音乐上是不重要的，但它确实意味着在和弦分析中应该忽略它。

这些决定是基于各种因素，如乐句的长度、高度和重音，在一些歌曲中，可能很难区分“树干”和“树枝”。在某些情况下，很难区分“主干”和“分支”。有些人可能认为在考虑和弦的时候应该排除旋律，只分析伴奏。这没有固定的方法。

分析音乐，包括判断一个声音是“和弦内音”还是“和弦外音”，思维方式、分类方法及其名称因流派不同而略有不同。

在这里，电吉他演奏了一个由四个音符组成的短句，把这个“re”作是“树干”的一部分还是“枝叶”，这是一个相当微妙的问题。在这种情况下，目的感也很重要，即你要用和弦做什么。

举个例子，如果你想让人们弹奏这首曲子，而不是尽可能的改变这首曲子，那么你也应该把这首曲子作为信息保留下来。相反，如果这个短句本身只是一个吉他手的“手法”，并不重要，并且你打算改变它，那么你可以删除它。

另外，正如我之前所说，如果根音演奏不同的音符，应该用斜线隔开。但是在弹奏根音的时候，这个曲式分析的细节到底有多少也是目的的问题。如果没什么大不了的，我们就会忽略基础的细微动作。

尤其是在爵士乐中，我们熟悉这种叫做“Walking Bass”的演奏，贝斯在这里来回移动。现在，如果每次贝斯移动的时候我都用转位和弦标记，那就没完没了了了。我们通常会删除细节，只是使用DmGCAm。

在现实生活中，有很多场景是多种乐器同时演奏多个乐句。

在这个音源里，除了鼓，还有贝斯，萨克斯管，管风琴和电钢琴。在这种情况下，把所有乐器的演奏加起来分析和弦还是有点不切实际。在这种情况下，首先不要太在意那些演奏着复杂旋律的萨克斯管，而是把电钢琴和管风琴共有的声音看作是中心的和弦音调，其他的则看作是装饰。

你可能会怀疑是否有可能如此轻易地切断一个乐句的信息，但将音乐重述为和弦符号的行为本身就是对音乐的简化。正如序篇中提到的，音乐理论是一种“信息工具”，将音乐变成可描述的数据。

“配置”和“时间”和“演奏的乐器”和“乐句”等数据，换成像C或Am这样的简短符号。这导致了这样的发现：“那首歌和这首歌有相同的和弦行进！”。

我们应该对和弦进行多细致的分析？这就像用相机拍照时，你想要多高的图像质量一样，这取决于你想要把场景保留得多清晰。

一首歌曲的基础是和弦。这种音乐观在古典音乐和爵士音乐中都很常见，甚至在使用吉他的音乐中也是如此，比如摇滚乐和民谣音乐，只要他们用和弦演奏，音乐的核心总是有一个和弦。

但在今天的EDM、嘻哈和民族音乐中，写歌时没有考虑到和弦的概念是很常见的。

在这样的音乐中，即使调和音阶是统一的，但其余的只是一系列的乐句，很难说在基础上有一个明确的和弦。这样的“非和弦音乐”也是存在的。

如果我们要对这些曲子进行和弦分析，我们最多只能以低音为参考点，如果没有音符脱离音阶，我们就把它们看作是基本和弦在响，然后完成分析。试图找出哪些乐句是和弦音调的意义不大。

和弦理论只是一种看待事物的方式，用和弦来描述音乐。如果你明白音乐理论是一种“信息工具”，你就能理解如何使用它。

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